Hicham Lasri: un artiste déroutant jusqu’à nouvel ordre

Le cinéma de Hicham Lasri se conçoit comme un laboratoire permanent, un atelier ouvert où chaque film tient à la fois de l’œuvre, de l’expérience et du manifeste artistique. Refusant les chemins balisés, le cinéaste déplace les points de vue, déjoue les attentes et place volontairement le spectateur dans une situation d’incertitude. Celui-ci n’est plus un simple témoin : il doit participer au déchiffrement d’un langage cinématographique provocateur, fragmentaire et profondément singulier. Son univers associe une certaine austérité à des influences documentaires, burlesques et comiques, sur fond d’un imaginaire politique souvent sombre. Ruptures narratives, changements brusques de tonalité, suspense et séquences proches du sketch viennent perturber la continuité du récit. Cette instabilité se prolonge dans la mise en scène : gros plans, plongées, travellings frontaux ou latéraux, plans fixes et caméra tremblée composent une esthétique mouvante qui refuse toute forme de confort visuel.

Le montage joue ici un rôle essentiel. Il amplifie l’angoisse, la confusion et le chaos des mondes représentés. Les films deviennent des collages de fragments, de souvenirs, de réminiscences, de rêves et parfois d’hallucinations. Leur réception se transforme presque en expérience physique : soumis aux secousses des images et du récit, le spectateur éprouve le vertige d’un monde dont les repères semblent constamment se dérober.
Cette volonté d’expérimentation dépasse le seul cinéma. Hicham Lasri circule librement entre film, roman, récit illustré et interprétation, multipliant les formes et les territoires de création avec une curiosité insatiable. Voix, silences, corps et mystères se croisent dans des œuvres qui laissent volontairement ouvertes les possibilités du sens.
Lasri construit ainsi une œuvre traversée par l’égarement, la fragilité, l’agressivité, l’angoisse et le traumatisme. Son cinéma ne cherche ni à rassurer ni à imposer une vérité. Il préfère questionner, troubler et installer le doute, comme pour rappeler que toute certitude demeure fragile et que le cinéma est aussi l’art d’interroger le chaos du monde.

Popi Avraam : une icône du cinéma chypriote

Née dans un village chypriote au sein d’une famille nombreuse, Popi Avraam développe très tôt une remarquable capacité d’écoute, d’échange et d’ouverture aux autres. En 1976, portée par sa vocation artistique, elle rejoint Athènes pour étudier l’art dramatique. Durant huit années, elle s’immerge dans la vie théâtrale grecque avant de retourner à Chypre. Ce va-et-vient entre l’île et la Grèce façonne une sensibilité artistique qui ne cessera de franchir les frontières culturelles et politiques. Son ouverture se manifeste également dans ses échanges avec les Chypriotes turcs, notamment lorsqu’elle interprète Aristophane en langue turque.
Au cinéma, son parcours épouse souvent les blessures et les contradictions de l’histoire chypriote. Dans The Last Homecoming (2008) de Korinna Avraamidou, elle incarne Phèdre, au cœur d’un récit situé durant l’été 1974. Son interprétation fait surgir les questions de la déchirure, de la mémoire, de l’absurdité des frontières et de la fragilité des liens humains. Dans Shadows and Faces (2010) de Derviş Zaim, elle incarne une jeune femme séparée de son père dans le contexte des affrontements intercommunautaires qui ont marqué Chypre. Mais c’est peut-être Pause (2018) de Tonia Mishiali qui lui offre son rôle cinématographique le plus puissant : celui d’une femme confrontée à l’usure du couple, au poids des conventions, aux fantasmes et au questionnement de sa féminité.
Entre Chypre, la Grèce et le monde chypriote turc, le parcours de Popi Avraam dessine ainsi un espace de dialogue entre langues, cultures et mémoires. Ses choix artistiques interrogent l’histoire, les fractures identitaires, les rapports de pouvoir et la condition féminine. Héritière d’une solide expérience théâtrale, elle en transpose au cinéma l’intensité et la profondeur. Par sa présence lumineuse et exigeante, Popi Avraam a contribué à enrichir le cinéma chypriote indépendant. Convaincue que le cinéma participe aux combats culturels et politiques de son temps, elle s’impose comme une figure singulière du cinéma méditerranéen, faisant de l’interprétation un territoire où mémoire, identité et altérité peuvent enfin dialoguer.

La leçon de Peter Marcias

L’ensemble des œuvres du réalisateur italien Peter Marcias traduit une forte conviction quant à la nécessité pour le cinéma de s’ouvrir aux préoccupations artistiques, sociales et politiques. Pour lui, le cinéma n’est pas tant une expérimentation ou une quête d’histoires extraordinaires qu’une mise en lumière de ce que la vie néglige: un visage qui traverse le cadre, une mémoire qui résiste à l’oubli, un corps qui porte les traces du temps, ou une voix qui lutte pour ne pas être réduite au silence. Dès ses premiers films, ce réalisateur originaire de Sardaigne s’est employé à construire un univers cinématographique subtil, où se côtoient la sensibilité du romancier et la précision du documentaire, et où le quotidien et le trivial deviennent un prétexte pour poser des questions brûlantes sur l’être humain, la société et l’histoire.
Dans des films tels que Bambini, La nostra quarantena, Silenzi e parole, Nilde Iotti, il tempo delle donne et Uomini in marcia, Peter Marcias ne considère pas le cinéma comme seulement une occasion d’exprimer une opinion quelconque, mais comme une opportunité de retrouver des récits d’enfance et de s’interroger sur les valeurs sous-jacentes à notre regard sur le travail, la femme, les droits et les différentes identités. Ces films tentent d’apporter une réponse à la grande question : comment l’individu peut-il préserver sa dignité et sa mémoire au milieu d’un monde qui se transforme à une vitesse vertigineuse ? Pour pouvoir apporter une réponse à cette question brûlante, il recourt à sa mémoire, à des espaces familiers de Sardaigne et à des visages proches de son cœur. Peter Marcias veille à s’éloigner d’un cinéma à la rhétorique excessive, de sorte que sa caméra devient conciliante, bienveillante envers les personnages; elle les accompagne en donnant aux images la possibilité de laisser les choses exprimer leurs significations. Le silence, lui aussi, constitue une composante essentielle de son cinéma, de même, les matériaux d’archives contribuent à construire les univers de ses films, comme dans le film L’unica lezione, où il revient sur une rencontre avec Abbas Kiarostami, faisant des archives un acte de résistance et un acte contre l’oubli, ainsi qu’un outil de réflexion sur les rôles du 7ème art.